Vanguardias del siglo XX

La música académica del siglo XX, como el arte todo de este período, está dentro de un contexto socio-cultural muy heterogéneo y conflictivo. En un siglo donde hay cambios globales frenéticos y enmarcado por dos guerras mundiales, son muchas las variables estéticas que surgen como fruto de esta mentalidad en constante adaptación. 
Los avances tecnológicos, por otro lado, influyen directamente sobre la forma de entender el arte y generan, a su vez, formas nuevas de arte.
Los medios masivos de comunicación contribuyen a la difusión en gran escala. Desde que existe la posibilidad de almacenar sonidos, con la invención del fonógrafo a fines del siglo XIX, las formas de componer e interpretar también evolucionan y dan lugar a una gran variedad de tendencias musicales entre las cuales el denominador común es el cambio, desde el más simple al más radical.
A este conjunto de corrientes estéticas se les denomina "modernismo" y son tres aspectos los que abordan principalmente:

Incorporación de sonidos nuevos en la música
A los sonidos de los instrumentos musicales y las voces se agregan sonidos provenientes de otras fuentes sonoras tales como ruidos de la calle, sonidos de máquinas, vehículos, del paisaje, etc. Estos sonidos se graban y editan junto a los instrumentos o voces o bien se elabora toda la obra musical con ellos. 

Cambios en la tonalidad
La música tonal, cuyas reglas armónicas se venían desarrollando desde los griegos y fueron perfeccionadas en el barroco, pierde la importancia que hasta el momento tenía para dar lugar a nuevas formas de concebir la consonancia y la disonancia, ampliar la cantidad de sonidos que componen la escala y combinar los sonidos cambiando el orden y el sentido de los acordes. 

Técnicas extendidas
Se denomina así a las técnicas vocales e instrumentales donde se exploran nuevas maneras de producir sonidos ya sea colocando la voz de forma diferente para lograr distintos timbres o tocando los instrumentos de manera distinta o con la ayuda de elementos extra para ampliar la capacidad sonora. 

El Romanticismo

Se denomina Romanticismo al período artístico que abarca el siglo XIX. En el arte musical comienza aproximadamente en la segunda década y se extiende hasta la primera del siglo siguiente. Es la continuación del clasicismo y está pautado, como toda tendencia cultural, por el contexto histórico que lo enmarca.

Durante el siglo XIX en Europa se lleva a cabo un proceso revolucionario que comienza en Francia y paulatinamente se va trasladando a varios países. Las masas populares y el sector obrero, apoyados por la burguesía, reaccionan ante la desigualdad, la falta de libertades, la opresión y la pobreza causada por los gobiernos totalitarios. Varias naciones se independizan y conforman países nuevos.

El arte de este período se ve influido por ideales diferentes a los que predominaban en el clasicismo. La perfección racionalista, la exaltación de las formas y las estructuras, el equilibrio y la sencillez dejan lugar a la expresión libre y el individualismo del artista que deja salir sus emociones, ideas y sentimientos en sus obras. 

Hay alusiones a mundos fantásticos, exóticos u oníricos en las obras románticas. Se intenta plasmar con colores, sonidos, formas o palabras aquellos conceptos que carecen de explicación racional. 

Los músicos románticos buscan transmitir emociones a través de sus obras y los cambios de dinámicas (contrastes de intensidades) son explotados al máximo en los instrumentos y las voces. El piano se convierte en el instrumento preferido por sus características tímbricas que le permiten lograr un sinfín de matices. La ópera alcanza su mayor grado de desarrollo tanto desde lo musical como desde la técnica vocal. 

Ludwig van Beethoven

Biografía

Ludwig van Beethoven fue bautizado el 17 de Diciembre de 1770, en Bonn. Su familia era originaria de Brabante, en Bélgica. Su abuelo era el director de capilla de la corte y su padre era cantor y músico en la corte de Bonn, con una persistente inclinación hacia la bebida. Su madre ha sido siempre descripta como una mujer dulce, modesta y pensativa. Beethoven hablaba de ella llamándola su "mejor amiga". La familia Beethoven tuvo siete hijos, pero solo tres varones sobrevivieron, de los cuales Ludwig fue el mayor.

Muy pronto, Ludwig mostró interés hacia la música, y su padre Johann lo instruyó en los fundamentos del sublime arte, noche y día, cuando volvía a su casa de los ensayos o de la taberna. No había ninguna duda de que el niño manifestaba el don de la música, y su padre pensó entonces en poder lograr un "niño prodigio", un nuevo Mozart.

El 26 de Marzo de 1778, a la edad de 7 años, Beethoven hizo su primera actuación en público en Colonia. Su padre anunció que tenía 6 años, para hacerlo ver como más precoz. Por esto, Beethoven siempre pensó que era más joven de lo que era en realidad. Inclusive mucho mas tarde, cuando recibió una copia de su certificado de bautismo, el pensó que pertenecía a su hermano Ludwig Maria, que había nacido dos años antes que el, y que había muerto a los pocos días de nacido.

En 1782, a la edad de 11 años, Beethoven publicó su primera composición: "9 Variaciones sobre una Marcha de Erns Christoph Dressler" (WoO 63). Mas tarde en 1783, Neefe escribió en la "Revista de Música", acerca de su talentoso alumno: "Si continua de esta manera, será sin duda, el nuevo Mozart"

En Junio de 1784 Ludwig es contratado como músico en la corte de Maximilian Franz, Elector de Colonia. Este puesto le permitió frecuentar la música de los viejos maestros en la orquesta. También esto le permitió la entrada en nuevos círculos sociales. En estos conoció gente que iba a convertirse en amigos por el resto de su vida. 

El Príncipe Maximilian Franz estaba conciente del talento de Beethoven, y por lo mismo, en 1787 lo envió a Viena a estudiar con Mozart y proseguir su educación. Viena era entonces el faro cultural y musical de Europa.

En relación al encuentro entre Mozart y el joven Beethoven, solo existen textos de disputable autenticidad. De cualquier modo la leyenda dice que Mozart habría dicho: "Recuerden su nombre, ya que este joven hará hablar al mundo!"

Pero su madre enfermo gravemente, y en una carta su padre le pidió que regresara inmediatamente. Su madre, la única persona hasta entonces, con la que Ludwig había desarrollado una profunda relación de amor, murió finalmente de tuberculosis el 17 de Julio de 1787.

A partir de esto y poco a poco, Ludwig comenzó a reemplazar a su padre en el hogar. Primeramente en lo económico, ya que Johann, a partir de la muerte de su esposa, se fue deteriorando personalmente, entró en depresión y se hizo más y más dependiente del alcohol. De esta forma tanto su rol de padre, como su trabajo en la corte fueron mermando. El joven Beethoven entonces, se sintió que tenía que tomar la responsabilidad sobre sus dos hermanos menores sobrevivientes, un sentimiento que mantuvo por el resto de su vida, y que a veces llevó a cabo en exceso. Un sentimiento de responsabilidad por su familia, que en realidad, le dio más dolores que alegrías.

Cinco años más tarde, en 1792, Beethoven volvió a obtener del Príncipe Elector la posibilidad de proseguir su educación musical en Viena. Nunca volvió a su pueblo natal. La noche antes de partir, su amigo el conde Waldstein le escribió en su diario: "recibirás el espíritu de Mozart de las manos de Haydn…"

En Viena, el joven músico tomo lecciones de composición con Haydn, después contrapunto con Alberchtsberger, y lírica con Salieri. Pronto llamó la atención y deslumbró a Viena con su virtuosismo en el piano y sus famosas improvisaciones. En un par de años se convirtió en el músico de moda en la aristocrática y musical capital de los Haugsburg.

En 1794, Beethoven publica su Opus Nº 1, tres Tríos para Piano, violín y cello. El año siguiente pudo realizar su primer concierto público en Viena (una "Academia"), en la cual interpretó sus propias obras. Luego siguió una gira: Praga, Dresden, Leipzig y Berlín. Antes de eso un concierto en Budapest. Una enorme actividad para el joven Beethoven que estaba ya sintiéndose llamado a grandes cosas en la música.

Beethoven hizo numerosas relaciones en Viena. Todos en el mundo aristocrático musical de Viena admiraban al joven compositor. Estos amantes de la música se convirtieron rápidamente en sus leales mecenas y sostenedores. Cada tanto tenía una pelea con uno u otro de ellos, y a menudo hacia las paces honorablemente después. Su gran talento les hacia excusar tanto su comportamiento impulsivo, como sus reacciones que en otro caso hubieran sido juzgadas como excesivas. Su fuerte carácter y conciencia de su valor hicieron que pudiera conseguir para si, un respeto y valoración que no habían sido otorgados a nadie antes.

En 1800, Beethoven organizó un nuevo concierto en Viena, que esta vez incluyó la presentación de su Primera Sinfonía. Aunque hoy en día, nosotros podamos juzgar esta obra como mas clásica, y cercana las composiciones de Haydn y Mozart, en ese momento, el publico encontró esta obra extraña, demasiado extravagante y hasta audaz. Nuestro genial Beethoven aun siendo todavía un joven compositor, estaba ya empujando los limites de las posibilidades de la música. Su obra entera parece una lucha contra los limites de las posibilidades de expresión del arte.

Su actividad iba en aumento, y también tuvo alumnas entre las jóvenes aristócratas, muchas de ellas jóvenes y hermosas con las que estuvo intermitentemente enamorado.

En 1801, Beethoven confiesa a su amigo Wegeler, en Bonn, su preocupación acerca de su progresiva sordera. En Heiligenstadt, el año siguiente escribe el famoso texto en el cual expresa su desesperación y disgusto ante la injusticia de la vida: que el, un músico, pudiera volverse sordo era algo que el no podía concebir ni soportar. Inclusive contemplo la idea del suicidio, pero la música y su ya fuerte convicción de que había "algo" que el debía concretar en ese campo, hizo que siguiera adelante. En ese "Testamento" escribió que el sabia que todavía tenia mucha música por descubrir, explorar y concretar. Beethoven no se suicidó, más bien, sabiendo que su enfermedad se iba haciendo peor con el tiempo, se zambullo de lleno en el trabajo componiendo excepcionales sonatas para piano, (como la Opus 31, "La Tempestad"), la Segunda y Tercera Sinfonías, y por supuesto mucho más.

Entre 1804 y 1807 estuvo enamorado de la joven y bella Condesa Josephine Brusnwik viuda del Conde Deym. La condesa correspondía a su amor pero este no pudo realizarse por las rígidas restricciones sociales de la época y la estricta separación entre la nobleza y el vulgo. En esta etapa hay una correspondencia amorosa entre ambos. Esta relación termina alrededor de 1808, al no poder concretarse.

Mientras tanto Beethoven había finalmente terminado su opera, "Leonore". La única opera que él iba a componer. Escribió y re-escribió cuatro diferentes overturas. Finalmente el nombre de la Opera fue cambiado a Fidelio, en contra de los deseos del compositor. 

En los años siguientes, la actividad creadora del compositor se tornó intensa. Compuso muchas sinfonías, entre ellas las famosas Quinta, la Pastoral, la overtura Coriolano, inclusive la pequeña pieza para piano conocida como "Para Elisa".

El Archiduque Rodolfo, hermano del Emperador, fue alumno suyo en composición, y eventualmente se convirtió también en su mas grande benefactor.

En 1809, Beethoven se encontraba descontento de su situación en Viena, especialmente bajo el aspecto económico. Entonces se planteo la invitación de Jerome Bonaparte, para dejar Viena y radicarse en Holanda. Su vieja amiga la Condesa Anna Marie Erdödy, logró que se quedara en Viena con la ayuda de sus más ricos admiradores: El Archiduque Rodolfo; el Príncipe Lobkowitz y el Príncipe Kinsky. Estos aristócratas ofrecieron a Beethoven una pensión anual de 4.000 florines, permitiéndole de esta manera vivir sin ninguna clase de apremio económico. La única condition era que Beethoven no dejara Vienna. Beethoven aceptó. Esta pensión, hizo de él, el primer artista y compositor independiente de la historia. Antes de este contrato, los músicos y compositores (inclusive Bach, Mozart y Haydn), eran sirvientes en las casas de las ricas familias aristocráticas. Eran parte del personal domestico, sin mas derechos que los demás y con la adicional tarea de la composición y la interpretación de música cuando a los patrones les placía. Las condiciones del arreglo de Beethoven con sus benefactores, eran absolutamente excepcionales: el era libre de escribir lo que quería, cuando quería, y por pedido o no, según el lo prefiriera. Condiciones excepcionales para un músico que era además, un hombre de un carácter también excepcional.

En 1812, Beethoven se traslada a tomar cura de aguas a Tépliz, desde donde escribe su ardiente carta a su "Amada Inmortal". Esta carta que fue encontrada en un compartimiento secreto de su escritorio con el "Testamento de Heiligenstadt", ha provocado toda clase de teorías y suposiciones en los estudiosos y biógrafos desde entonces. Numerosas mujeres entre sus amigas, alumnas o relaciones, han sido propuestas por turnos como candidatas a destinatarias de esa hermosa y apasionada carta. Pero, pese a todo el esfuerzo de investigación, a no ser que algún nuevo documento sea descubierto (tal vez ubicado en este momento en alguna colección privada) es posible que la verdad acerca de esta misteriosa mujer continúe siendo un secreto. Evidentemente así lo quiso Beethoven.

Entonces, uno de sus benefactores, el Príncipe Lobkowitz tuvo un quebranto económico, y el Príncipe Kinsky se mató en una caída de su caballo. Los herederos de Kinsky decidieron no pagar las obligaciones financieras que el Príncipe había contraído con Beethoven. Aquí recomienzan las dificultades del compositor para mantener su independencia económica.

Entonces el Checo Johann Nepomuk Maelzel se contactó con Beethoven. Talentoso inventor, e inventor del metrónomo, Maelzel ya había conocido a Beethoven y le había construido varios instrumentos para ayudarlo con sus dificultades auditivas: Cornetas acústicas, un sistema de escucha conectado al piano, etc. En 1813, Beethoven compuso "La Victoria de Wellington" un trabajo escrito para el instrumento mecánico construido por Maelzel, el "panharmonicon". Pero fue principalmente su trabajo en el metrónomo, que ayudó a la evolución de la música. Beethoven se entusiasmó tanto con el aparato que escribió cartas a editores recomendándolo y fundamentalmente, comenzó a hacer escrupulosamente las anotaciones de las marcas de metrónomo en sus partituras, de modo que su música pudiera ser interpretada precisamente como el lo había planeado.

La "Academia" de 1814, reagrupara este trabajo ("La Victoria de Wellington"), con las Séptima y Octava Sinfonías. Este era también el tiempo de re-escribir y reformar Leonore, como Fidelio, la única Opera de Beethoven. Esta vez, el trabajo se convirtió en un gran éxito frente al público. Un éxito también económicamente. Los conciertos que realizo en esta época fueron todos exitosos a ese nivel.

1814 fue también el año del Congreso de Viena, que reunió en la capital a todas las cabezas de estado que decidían el futuro de Europa después de la derrota de Napoleón. Todo Viena era una celebración. Este fue uno de los momentos de gloria de Beethoven. Se realizaron numerosos conciertos con su música como parte de las celebraciones, y fue invitado a tocar muchas veces, recibiendo admiración y reconocimiento de los cuales podía estar perfectamente orgulloso.

El 15 de Noviembre de 1815, muere Kasper Karl, el hermano menor del compositor. Al morir, deja una esposa, a la que Beethoven llama "La Reina de la Noche" -parafraseando la opera de Mozart, y debido a su débil moral, y un hijo de 9 años, Karl.

A partir de este momento la vida del compositor iba a cambiar dramáticamente. Su hermano había escrito que deseaba que la tutoría de Kart fuera ejercida conjuntamente por su mujer y su hermano Ludwig.

Para Beethoven, la responsabilidad tenia que ser tomada muy seriamente. Por una parte se negaba a compartir la crianza con una mujer de cuya moral tenia tantas dudas y por otra parte, como un soltero de casi 45 años que ya casi no podía oír, encontró muy difícil comprender a un niño con una infancia muy distinta de la suya propia, y que se transformo en un adolescente difícil, tironeado entre su madre y su tío. Todo esto fue la causa de un muy largo juicio entre la madre del niño y Beethoven, y el origen de sufrimiento, conflicto y numerosas preocupaciones para él.

El 1816, Carl Czerny (futuro maestro de Franz Liszt, y antiguo alumno de Beethoven) se tornó maestro de música de Karl, pero no encontró talento musical en el niño, cosa que Beethoven desilusiono a nuestro compositor. El hubiera deseado que el niño pudiera dedicarse al arte. Al mismo tiempo, se encontraba terminando su hermoso ciclo de canciones "A la Amada Lejana" y escribió el primer esbozo de un tema de la Novena Sinfonía.

Dos años más tarde, el Archiduque Rodolfo, fue nombrado Cardenal y Beethoven comenzó escribir para su encumbrado alumno, su enorme Misa en Re. La misa naturalmente no estuvo lista para la entronización, pero se transformó finalmente en una obra maestra de belleza y espiritualidad incomparable.

Gioachino Rossini, triunfaba en Viena en 1822, donde se encontró con Beethoven. La barrera del idioma y la sordera de Beethoven ocasionaron que solo pudieran intercambiar breves palabras. El compositor alemán apenas toleraba la opera italiana, -la encontraba poco seria, pero Rossini años después aun recordaba su encuentro con reverencia.

La Novena Sinfonía estaba prácticamente terminada en 1823, el mismo año que la Missa Solemnis. Liszt que tenía entonces 11 años, conoció a Beethoven, cuando el maestro (dicen algunos) concurrió a su concierto del 13 de Abril, y felicitó al niño. El joven virtuoso, años más tarde, transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano, y fue un gran interprete de su obra.

El 7 de Mayo de 1824 fue la fecha del estreno de la maravillosa Novena Sinfonía, y a pesar de las dificultades técnicas de la música y los problemas de la exigencia en las partes cantadas, fue un éxito rotundo. Lamentablemente este éxito no resulto en una ganancia financiera. Los problemas financieros continuaban preocupando mucho al compositor. Siempre tenía dinero que estaba ahorrando, pero este dinero no podía tocarse, ya que estaba ya destinado a su sobrino.

Entonces en medio de preocupaciones, enfermedad y disgustos, pero también de una serenidad espiritual excepcional, comienza el periodo de los Últimos Cuartetos, música tan excelsa y espiritual como ninguna otra. Estos cuartetos son todavía hoy difíciles para las audiencias contemporáneas, que puede comprender la mayoría del cuerpo de su obra. Comienza a escribir la Décima Sinfonía.

A fines de 1826, Beethoven se resfría seriamente volviendo de la propiedad de su hermano Johann, donde había pasado el verano y con el cual había peleado otra vez. La enfermedad se complica asociándose a problemas hepáticos serios de los que Beethoven había sufrido toda la vida. Finalmente después de una enfermedad dolorosa de tres meses Beethoven muere en 1827, justo cuando una tormenta rompe sobre Viena.

Los servicios fúnebres fueron celebrados en la Iglesia de la Santa Trinidad, distante un par de cuadras del domicilio de Beethoven. Se estima que entre 10.000 y 30.000 personas concurrieron a sus exequias que fueron muy importantes. Franz Schubert, muy tímido y un gran admirador del compositor (que nunca se animó a acercársele) fue uno de los que cargaron el cajón, con otros músicos. Schubert murió el año siguiente y pidió ser enterrado al lado de Beethoven.

Fuente: www.lvbeethoven.com

Algunas de sus obras:

Claro de Luna

Para Elisa

Marcha turca

Novena sinfonía.

Formas musicales del Clasicismo

Durante el período clásico se siguieron desarrollando formas musicales de períodos anteriores, tanto religiosas como profanas. Era mayor la inclinación hacia la música profana, principalmente hacia obras del género instrumental, las cuales alcanzaron tal grado de perfeccionamiento y riqueza estética que fueron las que denominaron así al período artístico, entendiendo como "clásico" todo aquello que se destaca por su excelencia.

Las formas instrumentales que prevalecieron fueron la sonata y la sinfonía.

La sonata clásica se distingue de la barroca por la ausencia de bajo continuo y el agregado de un cuarto movimiento. Su estructura es:

Primer movimiento: Allegro en Forma sonata (rápido)

Segundo movimiento: Adagio (lento)

Tercer movimiento: Minuet o Scherzo (danzas en compás ternario)

Cuarto movimiento: Allegro o Rondó (rápido)

A veces el tercer movimiento no está presente. En cuanto a la forma sonata del primer movimiento, se trata de una estructura de composición que tiene tres secciones: Exposición, Desarrollo y Reexposición. En el siguiente video se explica mediante un ejemplo auditivo ilustrado cómo son estas secciones: Explicación de la forma sonata

La sinfonía es una obra musical compuesta para gran orquesta cuya estructura corresponde a la de la sonata. Esta forma musical alcanzó su mayor grado de desarrollo en el clasicismo siendo Mozart, Haydn y Beethoven los más grandes exponentes de esta forma. Si bien se trata de música instrumental, Beethoven sumó a la orquesta de su novena y última sinfonía la presencia de un coro mixto. Esta innovación convirtió su composición en una de las más célebres de la historia de la música.

Sonatas

Sonata en Re Mayor, Haydn

Sonata para violín y piano, Mozart

Sonata Waldstein, Beethoven

Sinfonías

Haydn, Sinfonía nº 83. La gallina

Beethoven, Sinfonía nº 5.

Mozart, Sinfonía nº 41. Júpiter

Wolfgang Amadeus Mozart

Biografía

Compositor austríaco nacido en Salzburgo el 27 de enero de 1756. Sus prodigiosas dotes musicales fueron pronto observadas por su padre, Leopold, que decidió educarlo y, simultáneamente, exhibirlo (conjuntamente con la hermana grande Nannerl --Maria Anna--) como fuente de ingresos. A la edad de seis años, Mozart ya era un intèrprete avanzado de instrumentos de tecla y un eficaz violinista, al mismo tiempo que demostraba una extraordinaria capacidad para la improvisación y la lectura de partituras. Aún hoy en día se interpretan cinco pequeñas piezas para piano que compuso a aquella edad.

El año 1762 Leopold comenzó a llevar a su hijo de gira por las cortes europeas. Primeramente a Munich y a Viena y, en 1763 los Mozart emprendieron un largo viaje de tres años y medio que supuso para el pequeño Wolfgang valiosas experiencias: conoció la cèlebre orquesta y el estilo de Mannheim, la música francesa en París, y el estilo galante de J.Ch. Bach en Londres. Durante este periodo escribió sonatas, tanto para piano como para violín (1763) y una sinfonía (K.16, 1764).

Ya de regreso a Salzburgo, continuó sus primeras composiciones, entre les cuales encontramos la primera parte de un oratorio, Die Schuldigkeit des ersten Gebots (La obligación del Primer Mandamiento), la ópera cómica La finta semplice, y Bastien und Bastienne, su primer singspiel (tipo de ópera alemana con partes recitadas). El año 1769, con 13 años, era nombrado Konzertmeister del arzobispado de su ciudad.

Después de unos cuantos años en casa, padre e hijo marcharon a Italia (1769-71). En Milán, Mozart conoció al compositor G.B. Sammartini; en Roma, el Papa lo condecoró con la distinción de Caballero de la Espuela de Oro y en Bolonia contactó con el padre Martini y realizó con éxito los exámenes de acceso a la prestigiosa Accademia Filarmonica. El año 1770 le encargaron escribir la que es su primera gran ópera, Mitridate, re di Ponto (1770), escrita en Milán. Con esta obra, su reputación como músico se hizo aún más patente.

Mozart volvió a Salzburgo en 1771. De los años inmediatamente posteriores datan los primeros cuartetos para cuerda, las sinfonías K.183, 199 y 200 (1773), el concierto para fagot K.191 (1774), las óperas La finta giardiniera e Il re pastore (1775), diversos conciertos para piano, la serie de concirtos para violín y las primeras sonatas para piano (1774-75).

En 1777 Mozart marchó hacia Munich con su madre, Anna Maria. A la edad de veintiún años Mozart buscaba por las corte europeas un lugar mejor remunerado y más satisfactorio que el que tenía en Salzburgo bajo las órdenes del arzobispo Colloredo, pero sus deseos no se cumplieron. Llegó a Mannheim, capital musical de Europa por aquella época, con la idea de conseguir un puesto en su orquesta, y allí se enamoró de Aloysia Weber. Posteriormente Leopold envió a su esposa e hijo a París, donde éste estrenó la sinfonia K.297 y el ballet "Les petits riens". La muerte de su madre en la capital francesa en 1778, el rechazo de Weber -después del segundo encuentro de Mozart con la familia- y el menosprecio de los aristócratas para los que trabajaba, hicieron que los dos años transcurridos entre su llegada a París y el retorno a Salzburgo en 1779 fueran un periodo muy difícil en su vida.

Durante los años siguientes compuso misas, las sinfonías K.318, 319 y 338 y la ópera Idomeneo, re di Creta (Munich, 1781), influída por Gluck pero con un sello ya totalmente propio.

El año 1781, Mozart rompe sus relaciones laborales con el príncipe-arzobispo de Salzburgo y decide trasladarse definitivamente a Viena. Allí compone el singspiel Die Entführung aus dem Serail (El rapto en el serrallo), encargada en 1782 por el emperador José II.

Este mismo año se casa con Constanze Weber, hermana pequeña de Aloysia; juntos vivieron frecuentemente perseguidos por las deudas hasta la muerte de Mozart.

De esta época data su amistad con F.J. Haydn a quien le dedicó seis cuartetos (1782-85); estrenó también la sinfonía Haffner (K.385, 1785) y otras obras, de expresividad muy superior a la de la música de su tiempo. La llegada de Lorenzo da Ponte a Viena le proporcionó un libretista de excepción para tres de sus mejores óperas: Le nozze di Figaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790). Muerto ése año Gluck, el emperador José II concedió el cargo de kapellmeister a Mozart, pero redujo el salario, hecho que impidió que saliese del círculo vicioso de deudas. Estas crisis se reflejaron en obres como en el quinteto de cuerda K.516, en las tres últimas sinfonías (K.543, 550 i 551, Júpiter, del 1788), los últimos conciertos para piano, etc., contribuciones ingentes a estos géneros. Los años finales Mozart escribió sus últimas óperas, Die Zauberflöte (La flauta mágica) y La Clemenza di Tito, (1791) -escrita con motivo de la coronación del nuevo emperador Leopold II-. Precisamente mientras trabajaba en La flauta mágica, con libreto de Emmanuel Schikaneder, el emisario de un misterioso conde Walsegg le encargó una misa de réquiem. El Réquiem en Re menor K.626, inacabado por la muerte de Mozart -el 5 de diciembre de 1791- fue su última composición, acabada por su discípulo F.X. Süssmayr.

Fuente: www.mozart.cat

Algunas de sus obras:

Sonatas para violín

Sinfonía nº 41

La flauta mágica (son 13 videos)

Las bodas de Fígaro

Réquiem en Re menor

Clasicismo musical

El término "clasicismo" obedece a la denominación que recibe la música que florece en Viena entre los años 1750 y 1820 aproximadamente. La estética y espíritu de esta música influyó enormemente en el resto de Europa y el mundo y es por ello que hasta el día de hoy se confunde  "música clásica"  con "música culta". Los compositores más importantes del clasicismo fueron Mozart, Beethoven y Haydn.

Contexto histórico

Este período artístico musical coincide con la época de la Ilustración. Filosóficamente se trata de una vuelta al antropocentrismo centrado esta vez en la razón como motor de sabiduría. 

La Revolución Industrial europea contribuyó enormemente a este cambio de mentalidad. Hay una separación cada vez más marcada del poder monárquico y de la Iglesia y la burguesía se convierte en la clase dominante. Se producen en este período la Revolución Francesa (1789), la declaración de los derechos humanos en EEUU (1776) y paulatinamente se va aboliendo la esclavitud.

Características generales

El lujo y la opulencia del período barroco es fuertemente criticado y las nuevas formas de arte buscan la belleza en la sencillez. El racionalismo se ve reflejado en la música a través de la búsqueda de la armonía, el equilibrio y el orden. La belleza se encuentra en la naturaleza y el compositor busca precisamente la naturalidad en su música, a diferencia de los artificios del período barroco. 

Las formas musicales son rigurosamente estructuradas. La música instrumental cobra enorme importancia por su carácter neutro y la religiosa pasa a segundo plano. Abundan las obras para gran orquesta y orquesta de cámara y la invención del piano determina un antes y un después en la música instrumental.

Los principales compositores del período clásico son:

• Wolfgang Amadeus Mozart
• Franz Joseph Haydn
• Christoph Gluck
• Carl Philipp Bach
• Ludwig Van Beethoven
• Nicolo Paganini
• Muzio Clementi
• Andrea Luchesi
• Antonio Salieri

Las formas vocales en el barroco

Cantata.

El término "cantata" deriva del italiano: "cantada". Es una obra cantada breve para una o más voces solistas y acompañamiento instrumental. Puede estar o no acompañada también de coro. Las hay de carácter religioso y profano. Están compuestas de diferentes partes tales como los recitativos (partes recitadas con acompañamiento instrumental de clave o bajo donde se narra la historia), las arias (partes cantadas donde un solista se luce, hay una melodía importante y el personaje expresa sus pensamientos y emociones), las partes instrumentales (obertura e interludio) y coros.
Apolo y Dafne. Cantata profana. F. Händel.
Cantata del café. J.S.Bach
Selección de cantatas religiosas. J.S. Bach

Oratorio

El oratorio es una obra cantada de mayor extensión cuyo texto es estrictamente bíblico. Tiene las mismas partes de la cantata. El creador de la forma musical es Filippo Neri que en ela año 1600 compuso su primer oratorio con fines educativos. Se interpreta sin representaciones escénicas. No hay vestuario, escenografía ni actuación por parte de los personajes. Sólo música y canto.

Uno de los compositores más destacados en el ámbito de los oratorios es el inglés Frederic Händel, autor de uno de los oratorios más conocidos y cantados en Navidad: "El mesías"

Oratorio "El mesías" F. Händel

Libreto

Pasión

La pasión es un oratorio cuyo texto trata el tema de la muerte de Cristo desde el punto de vista de los evangelios de San Mateo, San Lucas, San Juan o San Lucas.

La pasión más conocida es la "pasión según San Mateo" de J.S.Bach.

Pasión según San Mateo. Parte 1

Pasión según San Mateo. Parte 2

Ópera

La palabra "ópera" significa "obra" y se trata de una pieza musical que reúne varias formas de artes escénicas: la literatura, la música, el teatro, la danza y la plástica. Todoas estas formas de arte se unen en el relato de una historia representada, musicalizada, actuada y ambientada.

Consta de recitativos, arias, coros, partes de danza e instrumentales.

Surge hacia finales del Renacimiento en Florencia de la mano de la camerata florentina. Tiene raíces en la tragedia griega.

L'Orfeo. C. Monteverdi

Libreto

Formas musicales instrumentales del Barroco

FUGA

Es una composición polifónica que tiene su origen en el "ricercari", que era la adaptación a instrumentos del motete durante el Renacimiento. Normalmente es una obra para instrumentos de tecla, (aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para conjuntos tanto instrumentales como vocales).

La fuga se desarrolla en un solo movimiento. En esencia se basa en la técnica de la imitación. Es una obra para varias voces (3-4), con una estructura compleja que básicamente consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto acompañado de otros temas secundarios. El sujeto o tema principal se presenta por primera vez en una sola voz, luego va siendo interpretado por las demás voces, una por una a manera de imitación. A lo largo de la fuga el tema reaparece constantemente, junto con los tema secundarios, al final de la fuga las voces terminan juntas en un final común.

TOCATA

La Tocata es una forma musical libre de carácter variable y pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en Italia, hacia el final del S. XVI. Se confunde de tal modo con el Preludio que, no solamente se empleaban ambos indistintamente como introducción a la Fuga, sino que también una misma composición ha recibido las dos denominaciones.

En el siguiente vídeo se puede apreciar cómo se interpreta en un órgano barroco,  la Tocata y fuga en re menor BWV 565, de Bach, que seguramente sea la obra más famosa de la literatura organística de todos los tiempos. En los conocidos compases iniciales muestra toda su bravura para luego ofrecer toda una lección de virtuosismo unida a un fino sentido de la arquitectura musical.

Tocata y Fuga en Re menor. J. S. Bach

SUITE

La base de la suite instrumental barroca está en la música de danzas del Renacimiento que se agrupaban normalmente en pares (rápidas, lentas).La suite está formada por una sucesión de danzas  (Alemanda, Courante, Zarabanda, Giga, Gavota, Bourré, etc.).  de ritmos contrastados, que han perdido su carácter bailable. El número y tipo de danzas es variable aunque hay algunas que aparecen con más frecuencia. La suite puede ser para un instrumento solista, para un conjunto reducido de instrumentos o para la orquesta.

Suite Nº 1 en Sol para Violoncello. J.S.Bach

SONATA

Es una composición instrumental para un grupo reducido de instrumentos con bajo continuo y que consta de varios movimientos contrastantes, frecuentemente cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido).

La sonata puede ser compuesta para un instrumento solista normalmente el clave, si es  para otro instrumento que actúe como solista (flauta, oboe, violín), aparece acompañado por el bajo continuo, y para dos instrumentos agudos y el bajo continuo que sería la agrupación más frecuente.

Sonata en Fa para Flauta dulce y bajo continuo. F. Haendel

CONCIERTO 

El concierto es una forma instrumental que apareció durante las dos últimas décadas del siglo XVII, y que se convirtió en una de las formas instrumentales más importantes del Barroco. En el concierto se resumen todas las características de la música barroca: el contrate de movimientos rápidos y lentos, la oposición de timbres e intensidades, el estilo concertato en la confrontación del conjunto de instrumentos de la orquesta con el solista o los solistas.

El concierto es una forma para un instrumento solista o varios instrumentos solistas y la orquesta, el solista es el protagonista de la obra y tiene que mostrar tanto la capacidad técnica del instrumento como su capacidad expresiva.

Está estructurado en tres movimientos: rápido-lento-rápido. En el primer movimiento así como en el tercero, es la orquesta quien comienza con su tema, dejando paso posteriormente al solista o los solistas, a partir de ahí se inicia un diálogo entre ambos: orquesta-solista. En el segundo es el solista o los solistas los protagonistas del movimiento, aunque también pueda ser estructurado como el primero y el tercero.

En el barroco el instrumento rey por excelencia era el violín y por tanto la mayor parte de los conciertos fueron escritos para él, aunque también ocuparon el puesto de concertino los violoncellos, oboes, trompetas, flautas, claves u órganos.

Las cuatro estaciones. A. Vivaldi.

CONCERTO GROSSO

Es una obra musical en la cual se contraponen dos conjuntos instrumentales: uno de solistas llamado "concertino" que generalmente integraban dos violines y un violoncello; y una orquesta de cuerdas y bajo continuo denominada "tutti".

Surge en Italia y uno de sus mayores exponentes fue Arcangelo Corelli. Tiene tres movimientos: rápido, lento, rápido. Es probable que esta forma haya sido la precursora del concierto barroco. 

Concerto grosso Nº 8. A. Corelli

Una versión humorística del concerto grosso por Les Luthiers:

Concerto grosso alla rustica. Les luthiers

La música en el Barroco.

Contexto socio cultural

El término "barroco", palabra portuguesa que significa "perla deforme", se emplea para denominar a las obras de arte que tienen la peculiaridad de ser recargadas y ornamentadas en exceso.

Se llama así el período artístico que se ubica entre los siglos XVII y XVIII en Europa y que, debido al gran desarrollo de las técnicas artísticas, hizo gala del virtuosismo.

Durante este período las monarquías absolutas dividieron a la sociedad en tres grupos: la nobleza, el clero y el tercer Estado. El poder político y económico recaía sobre los dos primeros generando una enorme brecha que separaba a una mayoría sin derechos ni recursos de una minoría poderosa. Francia y España imponían la palabra de la Contrarreforma Católica, lo cual se pone de relieve en el arte y la cultura barroca. El desarrollo de las técnicas artísticas del Renacimiento culminaron en obras de gran refinamiento y virtuosismo en todas las disciplinas. Son de este período el Palacio de Versalles y la Plaza de San Pedro en el Vaticano, Caravaggio, Rembrandt, Velázquez, Vermeer y Rubens en el campo de la pintura y las esculturas de Bernini.

Características de la música

La música en el barroco alcanzó un alto grado de desarrollo tanto en lo instrumental como en lo vocal. Son abundantes las formas musicales que surgen en este período y muchas de ellas se conservan hasta nuestros días adaptándose a las épocas, la sociedad y las técnicas de composición.

Es de destacarse la importancia que los compositores le otorgan a la armonía, la llamada "música vertical" que tiene que ver con las sensaciones que se van generando a través de los enlaces de acordes, combinaciones de sonidos que suenan en simultáneo.

Los modos mayor y menor son los que predominan en una música de carácter muy expresivo que se vale de las herramientas de la armonía para generar climas y sensaciones.

Para entender mejor a qué nos referimos con "modo mayor" y "modo menor" recomiendo seguir el enlace donde se explica de manera muy clara y con ejemplos cómo suenan.

¿Qué son los modos mayor y menor en Música?

El Renacimiento musical

El Renacimiento es el nombre que se le otorga a un período socio cultural europeo que se ubica temporalmente a finales de la Edad Media, entre los siglos XV y XVI.
El pensamiento renacentista se caracteriza por una vuelta al antropocentrismo griego y un alejamiento paulatino de la iglesia católica. En este período histórico los señores feudales van desapareciendo y dejando lugar al crecimiento y fortalecimiento de las grandes ciudades y el incremento del comercio que da paso al nacimiento de la clase burguesa. La iglesia cristiana sufre varias reformas como la de Martín Lutero y la contrarreforma católica. La invención de la imprenta favorece el intercambio y difusión de la cultura de la época y los textos clásicos de la literatura. Las universidades comienzan a desarrollarse y con ellas la investigación científica. Hay avances en todos los campos del conocimiento y esto se traduce a las artes puesto que la mejora de las técnicas y la difusión cultural contribuyen al enriquecimiento artístico. El descubrimiento de América amplía la visión del mundo antiguo e introduce cambios en lo social y económico.
Pertenecen a esta época personajes tales como Shakespeare, Moliére, Miguel Ángel, Rafael, Donatello, Leonardo Da Vinci, Botticelli, Tomás Moro, Erasmo de Roterdam, entre otros.

En cuento a lo musical, la impresión de partituras, las mejoras en los instrumentos musicales, la introducción de un pensamiento estético donde la música es entendida como una forma de arte que busca la belleza más allá del significado sagrado y los aportes de los mecenas para el desarrollo de las artes lograron un verdadero renacimiento musical.

Los instrumentos musicales dejaron de ser meros acompañantes del canto y comenzaron a tener mayor protagonismo. Los músicos desarrollaron técnicas para perfeccionar la ejecución y comienzan a aparecer las primeras agrupaciones instrumentales fijas, principalmente de cuerdas frotadas y viento.
Los principales instrumentos musicales de la época son:

• Cuerdas: laúd, arpa, vihuela, violín, viola da braccio, viola da gamba, clavicordio, espineta, mandolina, salterio, zanfona y tiorba.
• Viento: trompeta, trombón, sacabuche, flauta dulce, flauta traversa, fagot, bajón, órgano y órgano portátil.
• Percusión: cencerro, campana, tambor de uno y dos parches, bombo, panderos, panderetas, crótalos, sistro. 

Las formas musicales más populares son de género vocal pero con mayor protagonismo de los instrumentos que acompañan.
Éstas son el madrigal, en la música profana, y el motete y la misa en la música religiosa.  El motete y el madrigal desarrollan el canto en forma polifónica, interpretando el coro varias voces simultáneas que realizan melodías y textos diferentes. El desarrollo de la polifonía, que comenzó en la armonía de los conjuntos instrumentales, se desarrolló ampliamente en el rencimiento dando lugar, más tarde, a la composición de obras para orquesta y coro.

Ejemplos auditivos

Kyrie. Misa de Giovanni Pierluigi da Palestrina (italiano)
Oh magnum mysterium. Motete.  Tomás Luis de Victoria. (español)
"Altri canti d'amor, tenero arciero" Madrigal. Claudio Monteverdi (italiano)

Monodia Cristiana

Durante gran parte de la Edad Media, sobre todo en los primeros siglos, el cristianismo influyó directamente sobre la sociedad europea en lo político y lo social. La música de este período se basa principalmente en la entonación de los salmos de la Biblia sobre una música que poco se ha desarrollado desde los griegos.

La monodia cristiana es lo que predomina. Son textos bíblicos cantados en una única línea melódica.

Nace en esta época el Canto Gregoriano luego que el papa Gregorio I unificara la manera de entonar los salmos y creara un estilo particular de canto religioso que tiene las siguientes características:

• Los cantos son en su mayoría a capella, algunas veces con un instrumento de cuerda siguiendo la misma línea. 
• Son interpretados por voces masculinas en forma coral o responsorial (un solista canta una parte, el coro responde repitiendo el mismo canto)
• El canto es melismático: se entonan varias notas diferentes con la misma vocal, por ejemplo, en vez de decir "A-mén" se diría ·A-a-a-a-a-mén" entonando cada "a" con sonidos de diferente altura (graves y agudos) 
• Es canto sin ritmo regular, el ritmo y la medida de las frases musicales lo determinan las palabras. 
• Los sonidos duran lo mismo, salvo los finales de frases donde se extienden un poco para dar la idea de punto gramatical. A ésto se le denomina "canto llano".
• Musicalmente se entona sobre la base de los modos musicales griegos. Ejemplo con guitarra de los modos griegos

La Misa

Se dice que es la principal precursora de las grandes formas musicales occidentales. Consta de diferentes partes, de las cuales cinco de ellas son fijas y forman parte de la Misa Ordinaria:
Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei. Otras partes de la Misa se intercalan entre las fijas según qué tipo de misa se celebre; si es de navidad, fúnebre, de pascuas, de año nuevo, etc. Estas partes son: Aleluya, Secuencia, Tracto, Gradual, Introito, Ofertorio y Comunión, entre otras.


Ejemplos auditivos de canto gregoriano:
Coro de monjes de la Abadía de Ligugé. Francia. 
Alleluia. Veni Sancte Spiritus
Misa completa

La música en Grecia.

En Grecia la música alcanzó la condición de arte en sí mismo formando parte de numerosas actividades sociales, religiosas y pedagógicas.

Los principales instrumentos musicales fueron la lira, la cítara, el aulos, el di-aulos y la siringa, entre otros.

Lira

Siringa

Aulos

Cítara

La música griega era monódica, es decir, se cantaba al unísono (la misma nota musical) o a la octava (la misma nota perso más grave o aguda). El acompañamiento musical efectuaba la misma melodía que el canto.

Las principales formas musicales fueron:
El Peán: himno al dios Apolo acompañado con lira de carácter severo y noble.
El Ditirambo: expresa exaltación y alegría y es entonado por un coro de bailarines y cantantes en honor al dios Dionisios (dios del vino)
El Treno: es un canto fúnebre acompañado por aulos.


La música se ejecutaba sobre la base de ocho modos, cuyos principales cuatro eran

Dórico: de MI a MI
Frigio: de RE a RE
Lidio: de DO a DO
Mixolidio: de SI a SI

Modos griegos en audio

En Grecia la música estaba directamente ligada a la poesía. La literatura se escribía en versos que se recitaban y entonaban. La palabra "oda" significa canto y refiere a lo que se escucha. La palabra "lírica", usada en literatura, se refiere a la lira y la poesía que se valía de ella como acompañamiento.

El arte teatral es un derivado del Ditirambo. El drama, la comedia y el recinto donde se desarrollan las representaciones teatrales son invenciones griegas.
Las celebraciones a Dionisios fueron evolucionando introduciendo el disfraz en el coro danzante, el recitador y el actor propiamente dicho. Esquilo, Aristófanes, Eurípides y Sófocles son los principales representantes del teatro del siglo V AC.
Los primeros juegos olímpicos, desarrollados en Olimpia en el año 776 AC eran competencias deportivas mezcladas con espectáculos musicales dedicadas a Zeus.

Pocos son los documentos musicales que se conservan de la antigua Grecia. Entre ellos se encuentra el Epitafio de Seikilos; fragmento de una inscripción sobre una columna de mármol puesta sobre la tumba de Euterpe, esposa de Seikilos, que fue hallado en Éfeso, actual Turquía.
El texto dice lo siguiente:
"Mientras estés vivo, brilla. No dejes que nada te entristezca más allá de la medida porque la vida es corta, por cierto, y el tiempo exige su retribución"
La música es así: Audio del Epitafio de Seikilos